“澎湃新闻·艺术评论”（www.thepaper.cn）评展栏目，以亲身的观展体验和独立的视角，评点近期展览。
浙江美术馆的“安格尔的巨匠之路”展通过70件来自安格尔故乡法国蒙托邦安格尔博物馆的展品，让观众通向一个完整的“艺术家的内心”；英国泰特利物浦的“席勒&伍德曼”展则在视觉上及作品背后的关联上稍显欠缺。本栏目欢迎投稿，投稿邮箱：dfzbyspl@126.com，邮件标题请注明“评展”。
地点：浙江美术馆（杭州）
展期：2018年6月2日-7月21日
票价：免费
点评：70件来自安格尔故乡法国蒙托邦安格尔博物馆的展品，通向一个完整的“艺术家的内心”，在此与画家的思想相遇。观后意犹未尽、尚不解渴。但展览“巨匠之路”何尝不是一条启程之路？未来，有幸站在卢浮宫和其他博物馆的安格尔名作前时，会更读懂他画中包含的古希腊之光、拉斐尔之美和音乐之灵。
评星：三星半
1米53，当法国蒙托邦安格尔博物馆馆长弗洛朗斯•维基耶•杜泰伊女士在讲座上说出大画家安格尔的身高时，听众席里发出一阵轻轻的“啊”。
除了画布上浑厚的身材和持重的形象，鲜有人留意到画家的“小个子”。不过，这位小个子却是上承古希腊艺术精神、拉斐尔画风、大卫笔法，下启德加、雷诺阿、毕加索，间接影响过徐悲鸿，对19世纪欧洲艺术流派振兴和中国油画发展都产生过影响的大画家。
6月，安格尔在中国第一次成系统的、全方位的展示“安格尔的巨匠之路——来自大师故乡蒙托邦博物馆的收藏”特展来到浙江美术馆（杭州）。来自画家家乡法国蒙托邦安格尔博物馆的70件展品，从博物馆现藏的4500幅素描、20多幅油画、50套版画、古代艺术藏品、藏书、家具、小提琴、老照片以及学生们的临摹画和各种草稿藏品中被甄选出，漂洋过海，来到中国。
《戈拉奈肖像》草稿 安格尔 纸上石墨画
尽管，脱离了安格尔博物馆——小安格尔曾在里头演奏过小提琴、充满童年回忆的原蒙托邦主教宫——更有氛围的展示，但对于只知其一二名作的中国观众，这是距离19世纪新古典主义代表画家最近的一次感受。
展览首日，和“永恒的美”一起光临杭州的还有夏季不多见的温和并略显清凉的天气。一星半点的小雨，打在西湖水上，也摇动着湖畔美术馆里参观者的心旌。
展览选取了三个视角，安格尔看自己、安格尔看世界、世界看安格尔，呈现“巨匠之路”。展品包含了安格尔的素描、肖像油画、他热爱的古希腊艺术收藏、陪伴一生的小提琴，以及他临摹“男神”拉斐尔的作品、学生临摹安格尔的作品等。
进入展厅，笔者径直来到一幅临摹作品《大宫女》前（原作先藏于巴黎卢浮宫），详看，裸女的足底、持扇之手、孔雀毛扇、靠枕等的细节，和原作依然有较为明显的区别，另几幅肖像临摹品也没有全然展现原作的精神。再看安格尔真迹素描、油画，或是临摹拉斐尔和古希腊艺术、或是创作于早年，再或是由于展馆里拉起一米线导致看不真切已然很淡的素描，线旁报警器的“呜啦”声也时不时响起。
《艺术家父亲的肖像》(让·马丽·约瑟夫·安格尔）安格尔，1804年，布面油画
展览的海报图是安格尔的《艺术家父亲的肖像》，展览中还有安格尔老师雅克-路易·大卫画的《青年男子肖像》。杜泰伊馆长坦承，“安格尔博物馆的确鲜有画家赖以成名的肖像画”。或许此展并不能让爱好者们全然解了艺术之渴，但正如展览名称“巨匠之路”，这场展览通向的是更为完整的“艺术家的内心”，在此与画家的思想相遇。这，何尝不是一条启程之路？未来，有幸站在卢浮宫和其他博物馆的安格尔名作前时，会更读懂他画中包含的古希腊之光、拉斐尔之美和音乐之灵。（文／陆斯嘉）
运动中的生活：埃贡·席勒与弗朗西斯卡·伍德曼
展期：2018年5月24日－9月23日
地点：泰特利物浦美术馆
点评：席勒与伍德曼都以其亲密和毫不掩饰的人物肖像作品而闻名，而其作品的表面下都蕴涵着各自的主题和情绪。但在艺术评论家乔纳森·琼斯看来，展览将两人作品并置呈现，无论在视觉上还是作品背后的关联上都显得不那么明智。
评星：三星
埃贡·席勒（1890-1918）的绘画是原始的、直接的，他具有独特的风格，用快速的标记和锋利的线条来描绘他的模特的能量。 摄影师弗朗西斯卡·伍德曼则用长时间曝光拍摄模糊的图像，捕捉延长的时间。 她的照片可能是超现实的，幽默的，有时是痛苦的诚实。
这两位艺术家都以其亲密和毫不掩饰的人物肖像作品而闻名，而在其作品的表面下则蕴涵着他们各自的主题和情绪。此次泰特利物浦将两位艺术家的作品并置在一起展出。
策展人试图以这两位杰出艺术家之间的作品并置作为出发点，呈现出强烈的视觉效果和提供全新的视角。
但在艺术评论家乔纳森·琼斯看来，与伍德曼的题材相关的显然是摄影。我们可以看到她的作品与19世纪的摄影师Julia Margaret Cameron的共同点——闹鬼艺术，或者将其作品与维多利亚时代的摄影师并置在一起，也会让人着迷。 但是她和席勒似乎没什么共鸣。
席勒留下的那一系列作品足以让他成为20世纪最伟大艺术家之一，毫无疑问，他应和同时代的毕加索、莫迪利亚尼等人在同一个展览中展出，而伍德曼的黑白摄影作品并置显得并不合理。
此外，虽然展览策划的思路在纸面上看是个很不错的主意，但快速的视觉测试则显示了策展人所犯的错误。伍德曼的大部分照片都是小版画 ，或者说尺寸基本上家庭相册般大小。而把这些难以捉摸的单色图像放在席勒那大胆的，色彩斑斓的水彩画旁边，则是对其展出的作品带来了灾难性的破坏。同时观众的注意力也会因此分散。
当然，他们两者的确是有共同点的，例如英年早逝。1981年，伍德曼在22岁的时候自*身亡，却留下了生动的艺术生活。 她在十几岁的时候开始拍摄富有诗意的、梦幻般的照片，在七十年代末进入罗德岛设计学院时，就已经是一位原创艺术家。 展厅中的一张摄影照片里，她模糊了她的身体，在一个废弃房屋里，同时伴随着她的还有一件老式的衣服，使其像维多利亚时代的鬼魂。（编译／陆林汉）
万物有灵
地点：杜梦堂&西云楼
展期: 2018年5月25日-8月24日（杜梦堂部分的展览持续至7月28日）
点评：从两万年前拉斯科洞窟壁画重现的史前人类狩猎场景，到上世纪夏加尔绘画中被赋予人类情感的梦境般动物形象，动物在艺术史上一直占据着一席之地。从本能到精神，动物是人类生活的一面镜子，呼应着人类社会的种种主题，发展至今，“动物艺术”的主题呈现了多元化。近日，杜梦堂画廊举办雕塑艺术家丹尼尔•达维欧(Daniel Daviau)的中国首次大型回顾展“万物有灵”，展示动物的灵性和脆弱。
评星：三星半
丹尼尔·达维欧出生于法国历史名镇萨拉的一个农场，儿时的他身边围绕着各种动物，同动物的亲密关系教会他尊重自然，也成就了他日后的创作。作品《红狐狸》的形象就来自他的童年回忆，狐狸脚下的平台上特别雕刻了叶片的形状，那正呼应了他曾在森林里遇到这只狐狸的场景。此外，野猪、猫头鹰等雕塑也都来自他的农场生活。
除了这些来自生活的作品，达维欧所创作的动物形象大多是濒危动物，过去不曾出现在其他艺术家的创作中。对于这些不常见的动物，他通过看书、网络搜索进行研究，然后去非洲旅行，并且观看纪录片，寻找并观察那些特别有趣的姿势或表情。达维欧从不选择动物园里的动物作为创作对象，因为他更想还原它们生活的自然场景。
《狐猴》表现了人对于动物生存环境的破坏。在这件作品中，狐猴一脚抬起，一脚踩地，双臂则紧紧抓住树枝。在过去，狐猴一直在树上生活，近年的大规模开发破坏了它们的栖居，导致它们不得不来到地面。《小犀牛》刻画了犀牛在竹板上的形象，过去，很多来自非洲的犀牛被关在箱子里，出口到世界各地，艺术家刻意强化了这一场景，希望人们记得这样的历史。《小鹈鹕》刻画了鹈鹕振翅瞬间的动作。鹈鹕是帮助渔夫捕鱼的鸟类，这件作品的尺寸比一般的鹈鹕要大，艺术家希望以此让人们关注这些虽不起眼、却给人带来很多帮助的动物。
展览现场
从展览上可以看出，达维欧的风格并非是自然主义的，相比细节，他的创作注重整体与线条，强调对于动物神态的捕捉，表现动物内在的美。
刺猬
和青铜雕塑往往显示出的庄重感不同，达维欧的动物雕塑看起来活泼而温暖，这与他的“锈色”工艺密不可分：把铸造好的青铜加热至200摄氏度，蘸取含铜、铁、酸的化学物质，在高温下进行化学反应，使表面自然地产生花纹。随着时间的流失，颜色会变得更美、更自然。达维欧对铜雕表面工艺的处理技术也丰富了他的创作语言。2000年，达维欧被授予了动物雕塑领域的最高奖项“爱德华-马塞尔·桑度斯奖”(Edourd-Marcel Sandoz Prize)。
达维欧从历史上不同的动物艺术中吸取灵感，17世纪壁毯和20世纪雕塑家的作品都曾给他启发。作品《水牛》则与法国拉斯科史前洞窟壁画有关。据他自己描述，这头“水牛”与壁画中牛的形象有相似之处，而另一方面，作品也表达了关于美洲征服的主题。
金丝猴（文／钱雪儿）
