编辑|冷紫葉
第一节演奏的风格形成自己的演奏风格需要长时间的练习与积累。为此我们需要做到掌握娴熟钢琴弹奏技巧，对钢琴作品理解透彻，在演奏时的拥有良好的心态、音乐素养，热爱音乐本身，从音乐中吸取灵感，模仿大师，找到自己的风格。
俄罗斯钢琴学派的代表人物伊古姆诺夫认为“谱子里保留着作曲家的想法，犹如植物的种子存在于泥土中，为了开始生长，它应该穿透演奏者的创作想象力。演奏者是真正的创造者，是作曲家与观众之间的具有创造性的中间人。”
由此，我们在拿到《钢琴练习曲》Op.7时，首先需要去听这部作品，去分别感受四首练习曲想表达的内容，然后观察乐谱，看仔细谱面的各类标记，进而认真研究和分析作品，最后才是演绎和弹奏。我们需要先动脑，做到完全理解作品内涵、了解谱面要求、读懂四首练习曲独特的情绪和音乐特点，在这之前，演奏者绝对不可以盲目的进行弹奏。
斯特拉文斯基认为音乐是一门自然科学，钢琴演奏中，它的最高体现是自然。那是一种看不着也摸不着的感觉，手腕需要保持一定的松弛度，但又不能过于松散而失去控制力，恰如其分的弹奏作品。
而要做到自然，我们需要的是全面思考作者的想法，制定结构清晰的、明确的演奏计划，充满感情地寻找与听众达到共鸣的道路。虽然在钢琴教学中，技巧训练是必不可少的一部分，但它并非难以掌握。通过长时间的刻苦练习，任何人都可以掌握钢琴技巧。与此不同的是，音乐素养是需要长期积累和修行的，只有在演奏过程中才能体现出来。它是钢琴演奏的基础和关键，决定了演奏的质量和深度。
同时我们需要做到的是热爱音乐本身，不受任何其他因素的影响，为此我们才能对音乐的内涵和灵魂更好的理解。尽管大多数人喜欢音乐是因为它可以激发情感和心灵的慰籍，若仅将音乐视为情感的刺激，就低估了音乐的价值。
只有当我们真正因为音乐本身而热爱它，以一种更深层次的方式聆听音乐时，我们才能享受到更完整和崇高的乐趣，才能真正理解音乐作为一门艺术的内在本质。斯特拉文斯基说：“假如音乐的作用仅限于此，那它就太低廉了！当人们学会因为音乐本身而去爱音乐、以另一种方式聆听音乐时，他们的享受会变得更加完整和崇高，他们才能真正了解这门艺术的内在本质。”
而后观察和分析大师的演奏，尝试模仿大师的演奏，对比自己的不足之处，了解大师们的音乐风格和演奏技巧，并开始学习技巧和乐曲解读，尝试融于自己的音乐情感，可以关注自己在音乐中想要传达的情感、思想或价值观，并通过音乐演奏来表达。
同时需要不断探索自己的才能，不断学习和实践来发展自己的音乐风格，尝试新的技巧、方法或音乐流派，与其他学者进行交流和合作，不断拓宽自己的音乐视野和能力。最后，通过技术表现、身体语言、演绎力等方式，充满勇气和信心，大胆地表现自己的音乐情感。
四首练习曲的触键大致分为两种，第二首和第四首强调颗粒性弹法，触键时需要用轻柔的手指触键，同时掌握一定的力度和技巧，奏出饱满、有力的音响，节奏稳健而有动力。对键盘的控制也得非常精细，手指按下琴键需要尽量深入，即使是在弹奏要求力度为极弱的情况下，手指仍然是要充分地与钢琴的键盘接触。第一首和第三首强调歌唱性弹奏法，对手指触键方式的要求是训练有素的缓慢触摸，圆润连贯，柔和如歌，注意每个音符的发音和长度，以确保音符间的连贯性。
中力度与表情记号要细腻的表现，在实际演奏中，乐曲旋律多为小二度的发展进行，需要灵活的使用手腕进行转指，确保旋律的流畅性，如Op.7No.1的呈示部中5,6小节右手部分，两个声部在演奏时对于演奏者来说会稍许绕手，安排好中间声部的指法，建议使用一、二指交替弹奏，同时保持住高音声部的延长音，在音色的穿透性和持续性上极具挑战，弹奏时手腕富有弹性的带动手指轻拂触键，手腕及时放松产生具穿透力的声音。
随着旋律音的下行二度，控制好其他附加音，烘托出和声色彩，表达出内敛、含蓄的情感。呈示部和再现部实际演奏中左手部分有时会超过手掌的控制范围，如呈示部中第10小节，第二个音的大拇指可以进行同音换指到小拇指，来弹奏第三个音，也可以通过手腕和手臂的摆动，将二指送到第三个音的位置，把重心平移去做分解和弦，将手掌摊开来演奏，使旋律部分达到更好的效果。
Op.7No.2是一首技巧性比较高的练习曲，存在很多的快速跑动音符，这些音符在实际演奏时需要非常的清盈，同时达到节奏的准确，需要通过技术上的控制，让音符清新、灵动。
如呈示部的第4小节低音声部，跳音带动乐曲，把握好力度和速度，确保手腕和手臂放松，以免影响手指的灵活度和准确性，在跳跃的瞬间尽快离开前一个键位，展示乐曲充分的活力。
如该曲中高音声部多为和弦与单音的组合，要清晰地分辨出和弦和单音，强调和弦的音响效果，同时确保单音的准确性和流畅性。注意和弦和单音的相对音量，要使它们相互衬托，而不是相互抵消使音色更加稳定和自然。
Op.7No.3的音色较为丰富，在呈示部和再现部中，需要演奏者使用较为柔和的音色，需要演奏者使用轻柔的触键，控制力度来达到柔和的效果，使用指腹加大接触面积减少收力缓冲，使声音柔润，弹奏柔和的连贯需要以水平方向的用力方式触键。
在高音声部中，六个十六分音符的音型中存在小二度、八度，跨度变化大，利用手掌的伸展和手臂的左右移动来弹奏距离较远的音符，需控制好手掌控制能力，及时的收缩与伸展，对演奏者手的灵活度、身体的协调性提出了较高的要求，需控制好手指准确弹出每一个音，弹出轻巧的音色。
Op.7No.4的呈示部和再现部中，低音声部的跳音跨度比较大，演奏时，需要手指端尽可能挨着琴键，保持静止，但是聚集了重量感，掌关节稳固，手腕和手臂保持灵活性，同时配合手腕、手臂扭动，迅速向上发出短促的琴音，使音符更准确、清晰。
Op.7No.4中高声部的跨越也比较大，如第41小节中高音声部和弦之间的跨度比较大，需要很好的手指柔韧度和灵活性，在练习曲要求的速度上，更需放松手指、手腕、手臂，力度适中，保证和弦准确清晰明亮。
保持好手指之间的流畅性，避免音符之间的断裂感，弹奏时根据练习曲的表达要求，可以适当调整和弦的强弱和速度，细心处理，合理分配手指，突出和弦的情感表达和音响效果。
钢琴演奏中的力度控制需要注意每一个音符的细节，要精确地掌握每个音符的力度和强度，使其与其他音符和谐地融合在一起，营造出整体的音乐效果。斯特拉文斯基认为，钢琴演奏中的力度控制需要根据演奏者自身的个性和表现力来灵活掌握。
不同的演奏者有不同的表现方式，通过力度控制可以更好地展现个人特色和表现力。同时，钢琴演奏中的力度控制需要与节奏感结合起来，要在正确的节奏下掌握每个音符的力度和强度，以保持音乐的整体感和流畅感。
在音乐中，力度的变化是非常细致而复杂的，作曲家不会把所有的变化都标记出来，演奏过程中，演奏者需根据《钢琴练习曲》Op.7中四首不同的技巧练习和表现手法进行相应的调整和处理，以达到更好的演奏效果。为此我们可以从肢体上对力度进行控制。
第一首练习曲在钢琴演奏中需要控制好左右手的协调和灵活性，通过演奏中注意控制手指力度，以来突出左右手的强弱差。建议在练习时注重使用手腕和手臂的力量来控制手指，使其达到既有力度又不失柔韧性的效果。
第二首练习曲谱例中频繁出现双音，因此需要掌握好手指的准确度和力度控制。建议使用手指的弹跳感和重量感，以达到精准的演奏效果。第三首练习曲着重锻炼左手的手指跨度、灵活性。
在演奏时需要注意控制手指和手腕的力度，使得左手能够准确地弹奏出音符，同时也要注意节奏的准确性和音乐性的表现。第四首练习曲是一首快速的练习曲，在演奏时需要注意控制手指的弹跳感和重量感，也需要注意手指的柔韧性和肢体的协调性，使得演奏能够更加自然流畅。
除了从肢体上对力度进行控制，我们还可以从其他角度对力度控制进行影响。演奏速度也是控制力度的一个关键因素。在快速演奏时，手指下压键盘的力度会增加，这会使演奏出的音量更大。
而在缓慢演奏时，手指下压键盘的力度相对减小，演奏出的音量也会减小，控制力度，使琴音柔和、细腻，以达到音乐情感的表达。踏板也可以帮助控制演奏的力度。通过使用不同的踏板，可以改变琴音的延音时间和音量大小，从而达到更好的力度控制效果。除了以上技巧外，还需要通过意识来控制力度。
演奏者需要清楚地知道自己想要表达的音乐情感和表现手法，通过注意力的集中和对力度的控制，才能达到更好的演奏效果。
