新南威尔士美术馆成立于 1872 年，前身为新南威尔士艺术学院，品牌架构支离破碎。通过合理化和简化的系统来解决这个问题，并在所有画廊附属品中加强主品牌成为开发新品牌标识的核心部分，这将支持重新定位战略，将画廊移向一个交汇点和文化中心。由Mucho创建，引入严格的类型和调色板，以及动态图形设备作为框架，在其中容纳大量收藏艺术品、正在进行的一系列活动和展览，并作为框架空间的姿态运作，其中居住并与艺术品和想法互动。
作为修订后的愿景和目的的一部分，旨在将画廊重新定位为悉尼和澳大利亚文化生活的主要贡献者，穆乔的作品借鉴了画廊的分层历史。一个动态设备，既可以作为三个开放框架运行，也可以巧妙地暗示分层，它具有实用的目的，一个将各种交流用例中的文字和图像聚集在一起的轮廓。这些线条将名称的三个部分结合在一起，并发展成为一种新的动态视觉语言，包含可能性和空间交互。
虽然这种视觉设备很熟悉，但运动的使用、通过线条、文本块和空间对印刷材料的空间定义形成了与画廊现有和未来建筑细节的各个方面相关的独特解决方案。当看到画廊的现代主义内部方面时，该作品呈现出一种共鸣的品质，特别是华夫板预制天花板，它是 1972 年开放的扩建部分的一部分，它有意在建筑的古典建筑背景下利用对比。
字体样式、线宽和网格系统显得严谨。沟通清晰性的技术性也延伸到字体。深蓝色的灵感来自澳大利亚著名艺术家布雷特·怀特利 (Brett Whiteley) 的悉尼港标志性画作，连同类型和系统，形成了贯穿始终的坚定不移的连续性。
系统的灵活性还延伸到“视觉体积”的形式，有机会上下图形语言。标志的线条粗细增加，以在手提袋等简单的丝网印刷环境中创造出一种大胆的形式，并且字体变得更重和更紧凑，用于户外和画廊展览的印刷活动。
在某些方面，该系统有些不起眼，而在其他情况下，需要引起注意。这引导了艺术品的框架，有时是看不见的，有时看起来像它所拥有的艺术品一样具有戏剧性和精美的工艺。
网格系统以一种在技术上既实用又优雅的方式有效地将字体和图像结合在一起，并受益于有利于块的颜色方法。这提供了一个一致的框架来容纳可能不规则和松散的各种作品和图像，以及与画廊主要字体 Preston 不同的展览特定类型选择。
将事物聚集在一起，为事物创造空间，让各行各业的人们见面的主题嵌入在排版中。借鉴澳大利亚平面设计历史的历史方面和澳大利亚土著人民的语言，它将原住民语言中的字符、现代主义的普遍性愿景以及当今数字设备字体设计要求的技术严谨性编织在一起。这是工作最成功的地方，而不仅仅是项目的实际成果；需要以一种内部团队可以使用的方式战略性地解决分散的品牌架构，但它有可能为事情的发生创造空间，并邀请所有人而不是强加自己。
现代是韩国三大百货公司之一，在首尔、岭南和湖西等地区设有 15 家分店，年销售额超过 60 亿美元。Petit Planet 是现代新成立的专业儿童部门，在旨在激发年轻人想象力的环境中展示优质品牌。
大约三分之二的家庭友好空间专门用于室内和室外概念游戏，其建筑结构由日本家具设计师 Mikiya Kobayashi 设计。还有根据山、云和植物的抽象形状，五颜六色的跷跷板、滑梯和隧道。
环绕这些体验区，有很多东西可以吸引注重时尚的父母。服装特许权包括领先的韩国品牌（如 I LOVE J 和 Bebe de Pino）以及进口的国际儿童系列——想想 Tommy Hilfiger、Stella McCartney、Balmain、Moschino、Versace。
玩具店提供同样精心挑选的世界领先品牌，还有一个大型书店，鼓励游客将其视为一个临时图书馆，“游戏变成学习，教育变成游戏”（本着创造性的精神努力，它被称为“工作室”）。有果汁柜台、气球表演、现场乐队、免费婴儿车和丰富的更衣设施。
现代与首尔的工作室 fnt合作，为 Petit Planet 开发与这些环境相匹配的品牌标识。这个名字唤起了童年的经历，每个孩子都在一个自成一体的宇宙的中心，小而充满潜力。它还传达了一种视角的转变——就像《格列佛游记》中的一些东西——到围绕儿童及其需求的另一个维度。
参观 Petit Planet 是一次冒险，精彩的角色设计进一步发展了这一点，主题包括太阳系和十二生肖，以及想象中的生物、植物和音符。由此产生的景观与所有年龄和文化背景的儿童相关，并避免了性别刻板印象。它认真对待孩子和他们的想象力，通过分层讲故事来激发好奇心，并通过模棱两可的方式进行创造性的解释。
然而，最受启发的是这些角色对成人和婴儿一样具有吸引力。迷人、简单的风格——强烈的纯色几何形状和偶尔的黑色线条——与一袋 Liquorice Allsorts 一样具有不可抗拒的吸引力。但天真背后有一种复杂性，让人想起琼·米罗或亚历山大·考尔德的抽象作品。这很有趣，但远非简单。
在广泛的 3D 应用程序中，与 Calder 的手机的相似性最为明显。店内展示使用最优质的材料：厚实的彩绘木雕、玻璃球和铸铁在与产品和零售建筑互动的厚颜无耻的画面中将角色塑造得栩栩如生。插画家 Daye Kim 生动活泼的波普艺术色调在纹理中充满活力，激发灵感。这是一个迷路的地方。
在海报、包和包装纸等印刷材料中， 模块化展示字体和插图之间存在有趣的相互作用（通过“梦幻甜蜜森林”等诗意的字体样本来展示）。也有感官交叉：声音设计与触觉游戏中的动画相结合；寻路标牌和视觉营销与照明相遇；周末还有歌舞盛装的表演者游行
这是一个适合奢侈品市场的沉浸式世界，因为在奢侈品中有梦想的自由和培养梦想的金钱。在大众市场品牌推广中，功能性真理与情感性真理相关联，但高端产品关乎愿望——品牌必须说服消费者从现实走向它所能提供的幻想。'一切皆有可能，只要你能负担得起'。
从愤世嫉俗的角度来看，在一个以儿童为目标的环境中，将幻想和设计师商品混为一谈的策略有些令人反感，在这个环境中，购物与游戏没有区别。但是工作室 fnt的 Petit Planet 是如此令人愉快，以至于过度是乐趣的一部分。该作品避免陈词滥调（童话、恐龙、海盗等），以探索童年的基本主题，如规模、视角和相对性。它颂扬了体验的魔力，而不是消费主义。
通过这种方式，该项目代表了最好的奢华，作为一种逃避现实的途径——它能够想象和创造新的概念、形式和图像，并以不妥协的工艺实现这些。工作室 fnt建立了一个原创、独特且充满深度的世界，以提供具有魅力的品牌故事。
电缆厂( Kaapelitehdas ) 是赫尔辛基最著名的建筑之一，最初由芬兰工业建筑师Wäinö Gustaf Palmqvist 于 1939 年设计。几十年来，它是芬兰最大的建筑，占地面积 56,000 平方米，至今仍是世界上最大的建筑之一标志性的。1991 年，该遗址被重新开发成为该国最大的文化中心，设有艺术家工作室和三个博物馆，并举办音乐会、展览、集市和节日活动。
到2020年，电缆厂拥有300多家租户，每年吸引100万游客。但尽管有许多公共活动，但它越来越被视为文化精英的专属场所。邦德赫尔辛基工作室的团队被邀请以一种新的身份来对抗这种看法，该身份以可访问性和参与性为中心，以庆祝“团结和新的、意想不到的相遇”。
这三个标志用英语（ Cable Factory）、芬兰语（Kaapelitehdas）和瑞典语（Kabelfabriken ）向多元文化的观众说话。它们可以互换使用，并赋予同等权重，代表文化、人民、思想和艺术形式的会议：“电缆工厂将世界捆绑在一起”。三重字标巧妙地将品牌名称扭曲成一条短电缆，以强调这一主题，同时向这座建筑的历史致敬。
在每种情况下，BOND都通过拆分、复制和扭曲字母形式来实现一种巧妙的视觉错觉，这种方式应该——但不知何故不会——牺牲易读性（与 Instagram 上如此流行的许多以趋势为导向的动态字体不同）。徽标以静态形式精美地工作，包括坚韧的触觉压花，但当它在运动中旋转时最令人愉悦，就像 MC Escher 不可能的物体一样令人着迷。
干净、弯曲的 sans (Struthio Round) 是一个明智的选择，在个性的同时添加了现代简约，并为品牌提供了独特的基础。我们被告知，排版借鉴了街头艺术传奇人物蒂埃里·诺尔 (Thierry Noir) 的现场壁画《爱与无政府状态》( Love and Anarchy ) 中厚实的彩绘字体，这也为支持图形元素提供了灵感：“通过重复、变异和组合熟悉的形状和颜色来识别应用程序对原始艺术品产生无限的新意”。
虽然视觉联系可能不会立即明显，但存在精神关系。Noir 的柏林墙画——以他标志性的色彩鲜艳、卡通般的人物为特色——代表了反对冷战的艺术抗议中的自由之声。至少在德国，这场斗争是为了统一，所以与艺术家的壁画和BOND普遍迷人的无定形形状有一个交叉，可以进行无尽的解释并代表每个人，一切。
生成的副本线从 Exquisite Corpse 开始，这是一款源自巴黎超现实主义运动的协作诗歌游戏。该技术用于将参与者从想象力的限制中解放出来，以产生令人惊讶、荒谬和令人愉快的单词组合。对于 Cable Factory，它强调艺术形式的碰撞：“这是贝斯手跳舞合气道的地方。这是爵士乐在其中发挥灵感的地方。健美运动员设计马戏团的地方。建筑师为电影配图的地方。芭蕾舞演员画陶瓷的地方。
换行符并不总是很吸引人，但这种处理在动画中效果很好，应用标志的滚动动作来创造一个令人上瘾的社交和户外活动，满足不可预测的结果。BOND将其描述为：“不断自我改造的口号。具有无限变化的动态解决方案，还提供了一种深入研究中心产品的方法。看到将相同的原则应用于图像（也许通过拼贴）以进一步促进文化中心的多样性，这可能会很有趣。
通过具有年轻、开放和理想主义亮度的平易近人的彩虹光谱调色板更成功地探索了这一点。这些配对延续了将人员和实践以经过深思熟虑的组合交织在一起的主题，以确保良好的对比。它制作精良，但也让人感觉非常人性化，有有机的重叠点和自发的相遇。
电缆厂将自己描述为：“思想开放。宽容。永远不会无聊。毫无保留和冒险。旨在激发、刺激和惊喜 - 但始终积极和热情。BOND以一个对所有人开放、以数字为主导并受到联系启发的快乐身份确定了简短的内容。
Metamorphoses是一个特别的艺术活动，由这些将一出又一个商户设计当代的独特作品。它对过去的作品特别制作，同时对当下的问题表达强烈的关注。这种作品从等方面挑选作品、方法和通常创作的作品为作品的故事。已成的物品；一个故事被关闭的另一个物品。
“特色的语言工匠提供了一种独特的方法来研究，为自己的创作形式、材料、思想和传统的平台提供了一种新的视角，通过上层的语言，以及他们的新作品——以及他们的联想——被进一步解开。
跨越，引领它们出现了一个全球知名的作品，现在不考虑发生的变化和探索，现在不写新的维度。由于空间空间受到限制，具有环境部署和部署性，通过艺术上的容器或进行探索性发现。 ，并引导用户使用和传播故事来网站。
虚拟现实的体验——现实环境（一个地方的图片，安装文字）可以提供的说明图像，然而，————这个地方的优势是像这样和那样的。在这种情况下产品从黑白到彩色的某个反面的数字主题。
过渡的语言图形通过一个动态的标记地表达出来，该标记根据它在页面、标签纸或文件夹上的扩展和显示。在网上的位置，这是在运动。文本块提供了一种动态 动态 语言 和 的 规则 ， 让 报价 的 ， 变成 或S的Artic 是比如优雅和优雅的书法衬线，但带有一些变化，小写“一条”的两条当代、一条更正式的标题和一条线上聚合。同样，“W”的“W ”的状态是我们的。
你所定制的那种，每个细节都为 AEL 提供定制服务，制作定制的范围。您的工作室与从展台上与从展台一起展示的画面中，保持了其在视觉上的概念和支持，而不是它的霸权风格。画廊解决作为其他关系作品的体量之间的紧张关系得到了有效的解决。
通设计精二和父子团队 Dylan 和 Frank 和 Gary Todd Architecture 和室内设计团队 INDYK Architects 合作开发了位于塔南岛达尼丁市中心的精品Ebb。Ebb独特地位于被现代填海酒店的哥港的边界——利尼西亚在踏上波澜之前到达现代会降落。
将把建筑和设计的开发艺术方面与当代地区的地理相结合，是该项目品牌标识的关键部分。这一责任交接给了澳大利亚设计工作室Maud。活动的潮汐模式，成为酒店品牌标识的潮汐起点。
该以米有不同的包裹着方式开始，创作一件20件长、超大的玻璃立面艺术品这件作品的外墙。由当地项目设计师Frank Simon D Kaan委托。 ，幅，这幅通过尼丁的探索、海洋和投影作品的展示方式和运动的主题。作为在 30 块玻璃上以一种数字交叉的方式，一张张照片，表达出来了在四个点之间创建的阈限空间；艺术、设计、建筑和地理。
立面不是孤立的或单一的姿态，而是对大潮体验的战略方面的表达，其中之一包括让当地艺术家参与和设置舞台。Maud 对酒店的品牌标识源于最初的作品和潮起潮落的概念，风景摄影在酒店的材料中使用了一个关键元素。
Maud 委托Irenaeus Herok拍摄空中、风景和特写摄影，目的是通过工作室描述的“空灵镜头”捕捉但尼丁的海岸线，增加运动感和奇迹感。这些图像已被使用，效果非常好，当观看这些图像时，内心会有些激动，比任何图形元素都更令人回味。这可能更重要，因为酒店位于城市环境中，充当港口，是通往更狂野的入口。带有白色边框的图像框架有助于与艺术世界建立联系，酒店与当地艺术家的合作以及在酒店内展示他们的作品。
这种以照片为先的方法，在品牌识别的背景下，由大量具有一系列限制的用例组成，需要从创意概念衍生出进一步的解决方案。“请勿打扰标志”不是很好的摄影画布。因此，作为这一点的延伸，照片被抽象成渐变或极端特写，色彩的微妙和自然过渡具有固有的流动性。这些渐变不是正式的，既不是线性的也不是放射状的，而是有机的，并且与景观明显相关。
支持摄影是印刷的组成部分。正是这个图形元素在宁静的同时提供了实用性，但它仍然保留了“潮起潮落”概念的各个方面。这不仅体现在潮汐计的使用和根据放置位置的升降运动，还体现在 Droulers 字体不寻常的字符形状和不规则的字母间距中。从形式上讲，有些人可能会认为标识设置不当，但是，它呈现出的东西更具感官性和概念性。它不仅有节奏，而且字体固有的延伸衬线反映了潮汐计的视觉语言。
Droulers 将与 Un77 配套使用，Maud 为“和隐蔽”，并与设备图形一起使用，其中包括受但尼丁风景的其他画质板和白色框架设备，该在酒店的一个方面的动图。摄影、描绘颜色以及语言的一种图形类型方面一起被开发的。
“潮起潮落的时间点是一个强大的时间焦点。，将其治理成许多不同的方面，以显示城市人为（和）的治理方式进行自然编排，让游客在选择的、更正的状态中，将他们在一个可视化的水景中与相遇的地方。
