从1980年至今的安德烈亚斯•古尔斯基–他的最佳照片（溜冰者无尽冒险）

安德烈亚斯·高斯基（Andreas Gursky）-里米尼亚，2003年

导读

关于安德烈亚斯·古尔斯基

安德烈亚斯·古尔斯基 (Andreas Gursky ) 1955 年出生于德国莱比锡，是一位著名的摄影师，他使用丰富多彩的大幅面描绘现代生活。他在德国杜塞尔多夫生活和工作，通过概念舞台和数字图像编辑代表了当代摄影对现实主义的重新评价。这位德国摄影师普及了摄影，重点关注商业、体育、休闲和其他领域的日常人类活动。他标志性的照片展示了证券交易所、港口、音乐会场馆、赛道和其他人类活动区域的大幅面。角度点通常会升高，以占据尽可能多的区域。

早期生活和影响

20世纪70年代，古尔斯基在埃森的福克旺学院学习摄影。他开始尝试使用4×5英寸（10.2×12.7厘米）的相机进行摄影，这与当今的摄影技术大相径庭。他的早期作品最初受到贝歇尔美学的强烈影响。后来，他的风格被称为独特的“古尔斯基”，因为他慢慢地摆脱了他们的哲学，并制作了带有不真实细节记录的大幅面彩色照片。

在他开始专注于描绘现代社会国际化情绪的场景和地点后，他的作品在 1990 年代迅速成熟。他后来因在作品中使用过多的细节而闻名，从他的照片（如“劳动节”系列和“ 99美分”）中可以看出。如今，他的照片继续呈现在即时可识别的城市环境中发生的场景和大量计算机渲染的图像。

安德烈亚斯·古尔斯基-劳动节 IV， 2000年

古尔斯基将大画幅摄影推向了新的高度。到 1980 年代，他开始使用市面上最大的打印纸在商业照片纸上打印。他结合打印纸使照片更大。他是第一位制作大于 6×8 英尺（1.8×2.4 米）照片的摄影师。

反复出现的话题

古尔斯基的作品涵盖建筑，景观，室内设计等主题，以及人群众多的大型活动，如朝鲜群众运动会或他在世界各地著名的证券交易所系列照片。通过这样做，他涵盖了工作，商业和社交生活中现代生活的各个方面。

安德烈亚斯·古尔斯基–平壤II，双联，2007年

用他自己的话

这不是纯粹的摄影，我所做的。我所有的照片都是基于直接的视觉体验，我从中形成了一个图片的想法，在工作室里进行测试，最终在电脑上进行处理和精确化。

作品选

99美分，2001年

《99美分》代表典型的安德烈亚斯·古尔斯基照片。该图像包含几张在洛杉矶一家只有 99美分商店拍摄的产品照片，然后拼接在一起形成一个大尺寸数字图像。

另一件不容错过的事情是购物者的负责人在他们的业务中寻找他们需要的东西。虽然照片向我们展示了我们每天在零售店看到的东西，但它也向我们展示了我们每天看不到的东西。当我们参观超市时，我们没有机会欣赏我们在《99 美分》照片中看到的东西。相反，我们总是匆匆忙忙地挑选我们想要的东西然后离开商店，就像可以看到购物者忙碌的脑袋匿名地漂浮在产品上方一样。

《99 美分》的含义比普通商店的形象更深。古尔斯基试图向观众展示他们面临的挑战。对他来说，这就是我们自己创造的世界，但我们却忽略了它。尽管构图有些僵硬，但这张照片以其无穷无尽的细节构成了视觉冲击。《99 美分》是有史以来最昂贵的现代照片之一。

安德烈亚斯·古尔斯基-99美分I，2001年

亚马逊，2016年

《亚马逊》（2016）通过将亚马逊仓库变成艺术品来说明安德烈亚斯·古尔斯基的才华。在想出为亚马逊配送中心拍照的念头之前，古尔斯基想在亚利桑那州凤凰城的一个仓库里拍摄一个堆满书籍的高架房间。起初，仓库的保安不允许他使用他需要的卡车，但最终，公司首席执行官杰夫贝佐斯被说服了。

《亚马逊》，长 13 英尺，高 8 英尺，是一个单一的大型图像，展示了现代大众消费和商品分配的不可识别的模式。艺术家在拍摄这张照片时再次设法观察细节，因为一切都同样清晰。一排排的产品引用了 19 世纪和 20 世纪的艺术元素，包括几何和点彩派。

《亚马逊》和之前的作品《 99 美分》有很大的不同，虽然它们都是同样东西的图片。在《 99 美分》，我们看到的是我们熟悉的东西，而在《亚马逊》，我们看到的是一个陌生的空间。

安德烈亚斯·古尔斯基 –亚马逊，2016年

一级方程式赛车，2007年

在4个《一级方程式赛车》系列中，古尔斯基以大胆的团队色彩拍摄了忙碌的机械师和技术人员，他们围绕着进站的一级方程式赛车，而观众则在上面注视着下方。这些照片是艺术家使用 Photoshop 重新组织图片片段的少数照片之一。该系列创作于 2007 年，聚焦一级方程式进站的疯狂活动，捕捉可能影响车手职业生涯的关键时刻。

乍一看，人们可能会认为两幅图像中的观众是同一个人。不过，细看之下，却发现人物的容貌千差万别，尤其是在色彩方面。这四幅图像系列不是像《 99 美分》和《亚马逊》那样的单一图像，而是略微“矫饰摄影”（manipulated photography）的照片，其中包含来自全球一级方程式赛车的元素，包括圣保罗、蒙特卡洛、上海和伊斯坦布尔。虽然进站活动通常只在 12 秒内进行，但古尔斯基非常详细地描绘了图像中的人物。没有任何动作元素，就好像他要求他们在一级方程式田径芭蕾舞中摆姿势拍照一样。

观众在一级方程式赛车中可能会错过的一件事是，在照片中间直接放置了一个迷人的网格女孩。一名心烦意乱的赛车队成员转身凝视，对身后的活动视而不见。虽然幽默很容易被忽略，但古尔斯基试图让它在观众眼中不那么明显。这些照片很诱人，让人很容易理解每一个强调的细节。艺术家使用对比来达到催眠的效果。《一级方程式赛车》的尺寸高达 222 厘米 x 608 厘米，是迄今为止古尔斯基拍摄的最大的照片。

安德烈亚斯·古尔斯基 – 一级方程式赛车 I，2007年

安德烈亚斯·古尔斯基 – 一级方程式赛车 II，2007年

安德里亚斯·古尔斯基– 一级方程式赛车 III，2007年

安德里亚斯·古尔斯基– 一级方程式赛车 IV，2007年

巴林，2005年

《巴林I》是2004年拍摄的一场一级方程式赛车比赛的照片，但这场比赛是在2005年创建的。赛道来自于2004年完成的一级方程式年度比赛，古尔斯基是从直升机上拍摄的。他最终“矫饰摄影”了这张照片，就像他在一级方程式赛车中那样，使用Photoshop。

《巴林I》展示了一条蜿蜒曲折的大奖赛赛道，穿越沙漠景观。黑色的柏油碎石路面与周围的浅棕色沙漠沙粒形成强烈的差异。尽管在赛道之外，但没有显示任何人物，汽车或人的身影，尽管可以看到一个长长的直立看台，上面有白色的屋顶。

在《巴林I》中，古尔斯基通过颠倒典型的天地比来重新诠释景观。风景一直延伸到图片的平面，仅将整个照片的最上部分留给天空。平坦的跑道，不透明的赛道和沙漠景观使色调完全没有渐变。结果是一种令人难以置信的绘画作品。电路的旋转形式似乎是在空白画布上的黑色油漆的书法笔触。但是，当人们仔细观察时，他们会看到跑道的决定性特征。就像古尔斯基的大部分作品一样，在《巴林I》中，他以引人注目的方式代表了人类在自然环境中的存在。

安德烈亚斯·古尔斯基-巴林I，2005年

莱茵河II，1999年

在这张照片中，古尔斯基将大型摄影和数字操作相结合，创造了莱茵河的全新部分。这是一张5 x 10英尺（1.5 x 3米）的照片，展示了一个没有人类存在和工业的高色彩景观。古尔斯基通过合并河流的几个部分实现了这一点。这张照片成为有史以来拍卖会上最昂贵的照片，2011年以430万美元的价格售出。

《莱茵河 II》是一张从德国波恩流向荷兰角的莱茵河下游的照片。照片中，河流笔直地流过视野，穿过平坦的绿色田野，在多云的天空下。这位艺术家使用数字软件删除了不相关的细节，例如厂房和遛狗者。

古尔斯基在谈到《莱茵河 II》时说：

“矛盾的是，这种莱茵河景象无法在原地获得，需要一个虚构的建筑来提供现代河流的准确图像。”

2011 年，《莱茵河 II》在拍卖会上拍得 270 万英镑，成为有史以来最昂贵的照片。

评论家佛罗伦萨·沃特斯（Florence Waters）将这门艺术描述为“充满活力，美丽而令人难忘的-我应该说是令人难忘的-当代浪漫风景的转折”，而梅夫·肯尼迪（Maev Kennedy）则将其描述为“灰色天空下灰暗莱茵河的肮脏形象”。

安德烈亚斯·古尔斯基-莱茵河II，1999年

超级神冈探测器，2007年

超级神冈探测器（Kamiokande）于2007年在日本神冈山下拍摄。这是中微子观测所的超自然照片，可帮助超级神冈中微子探测实验。整个照片包含成千上万个闪闪发光的金球，这些金球构成了空间的墙壁。球体从上方吸引光在其表面上。然后将其反射到形成天文台地板的晦涩水面。照片的右下角是摆在无菌充气筏中的无菌实验室服装中的微型人物。拍摄完照片后，古尔斯基通过数字编辑对其进行了模拟，以放大照片并使观众看到照片的位置令人瞠目结舌。

镜头呈现出镜面般的水面与闪亮的金属球之间的反射平衡。在创作此作品时，古尔斯基使用完全非传统的主题来遵守传统的景观规则。超级神冈探测器中的主题类似于荷兰艺术家的17世纪画作和安塞尔亚当斯的当代作品。但是，古尔斯基包含了无尽的抛光人造球和一条水条纹。在这种情况下，人类可以操纵自然，就像真正的神冈时代的情况一样。这违背了自然对人的权威的传统主题。

超级神冈探测器与安迪·沃霍尔（Andy Warhol）的作品有一些相似之处，因为它也采用了重复性和简单性。与安迪·沃霍尔的另一个相似之处是，古尔斯基也认为艺术绝对无处不在，万事万物。真正的天文台的确切使用方式对于许多人来说是未知的，古尔斯基设法向空间展示了一种令人敬畏的视觉吸引力，立即引起了人们的关注。

安德烈亚斯·古尔斯基-超级神冈探测器，2007年

亚特兰大，1996年

像古尔斯基的其他作品一样，《亚特兰大》是另一张“矫饰摄影”的照片。在这张照片中，他使用了数字工具来融合由约翰·波特曼（John-Portman）设计的酒店的两种不同观点。图像包括在亚特兰大凯悦酒店大堂拍摄的照片。它们是从相同的优势点制成的，但彼此成180度。古尔斯基融合了相同前庭的相对两端，创造了一个从未有过的后墙。就像《巴林I》一样，《亚特兰大》也像一幅抽象画。从主题的角度看，这部作品与古尔斯基的大部分作品非常相似。

这张照片将全球迁移和流动的世界形象化。在这个空间中，休闲，劳力和旅行是相互关联的，而人类似乎是在被引导，就像它们是在一台巨型机器中加工的材料一样。尽管这张照片看起来很酷而且毫无生气，但从形式上看，它似乎是阴郁的。

亚特兰大也许是古尔斯基最奇怪的作品之一。从表面上看，它像他的大多数作品一样看起来是互动的，但是当人们看了一段时间后，他们可能会开始怀疑自己的看法。观看者可以理解图像中表示的风景是不自然的。无论试图表达什么现实，观众所看到的世界都与艺术家眼前的世界完全不同。当观众注意到图像的数字化处理时，视图就变得更美了。前方的物体在物理上变得不可能，因为它所构成的视力范围是人类视野范围的两倍以上。但是，它看起来仍然与我们的正常视野相似。

在《亚特兰大》，现实变得既陌生又熟悉。因此，尽管其细节和清晰度，该照片仍未聚焦于其文献特征。取而代之的是，它强调其数字化处理，对它的真实性质和观看者了解客观世界的能力产生怀疑。

安德烈亚斯·古尔斯基 –亚特兰大，1996年

蒙帕纳斯，巴黎，1993年

巴黎的蒙帕纳斯（Montparnasse）是史诗般的城市全景，也是安德烈亚斯·古尔斯基最权威，最壮观的作品之一。该作品再次在摄影媒体上展现了古尔斯基的艺术风采。这不是巴黎第一次吸引艺术家，古尔斯基之前也有很多艺术家爱上了这座城市。古尔斯基从1990年代初开始拍摄灯光之城，并从《缅因州蒙帕纳斯公寓II》的建筑设计中汲取灵感。该建筑是由建筑师让·杜布森（Jean Dubuisson）设计的，建于1959年至1964年之间。该建筑由建筑师让·杜比松 (Jean Dubuisson) 设计，建于 1959 年至 1964 年间。该建筑由 750 套公寓组成，最多可容纳 2,000 名居民，是巴黎最大的单一住宅建筑。

《巴黎蒙帕纳斯》是古尔斯基使用数字处理的所有创作中的第一张图片。他将继续在他的一些作品中反复使用这种做法，包括《巴林 1》和《亚特兰大》。引用这位艺术家的话说：

“自1992年以来，我一直有意识地利用电子图片处理提供的可能性，强调将增强图片效果的形式元素，或者，例如，应用一个实际意义上不可能实现的观念图片。”

这张照片是巴黎一栋高密度公寓楼的俯视图。印刷品的尺寸为7 x 13英尺（2.1 x 4米），创造出可以捕捉地面，建筑物和天空的全景效果。有趣的是，古尔斯并未捕获建筑物的边缘。总体效果是孤立和疏远了高层居民，这是一个悖论。