文|娱事娱绯
编辑|娱事娱绯
前言《阿尔梅里亚》作为一首充满激情与抒情的作品。
它不仅结合了19世纪末至20世纪初的民族乐派风格，还将浪漫主义晚期与印象主义进行了完美融合。
可究竟要怎样弹奏才能将这首作品完美的呈现在听众面前？
据悉，《阿尔梅里亚》这首作品有大胆狂放的激情，也有细腻流畅的抒情。
因此在演奏的设计上可以大胆处理。
而曲中由弱到强的各种力度变化、和声色彩的明暗对比、音色触键的变化处理、特别是“弹性节奏”与延音踏板的结合，也使钢琴具备了丰富的音响效果，甚至表现出了19 世纪末20世纪初民族乐派钢琴音乐的发展特点。
并且在和声色彩、情感表现更丰富的浪漫主义晚期，能将浪漫主义和印象主义虚与实结合的写作手法巧妙运用，还有对不同音色的处理和控制能力也在乐曲《阿尔梅里亚》中显得尤为重要。
故而在弹奏此曲前还要从听觉能力入手，这时就要讲讲两种类型的“音乐耳朵”。
一种是“主观之耳”，音乐家凭它想象着所要弹奏的声音，越是具体逼真，弹奏效果就越好；另一种是“客观之耳”，它指的是钢琴家对自己指尖触键所发出声音的调控能力。
可见丰富的想象力是演奏者奏出动听声音的关键，并配合用心聆听的耳朵，用耳朵来支配手指的运动，就能演奏出所要刻画的音乐形象、表达的音乐情感以及追求的音响效果。
在A段中，描写了阿尔梅里亚这座海港城市宁静与澎湃的海面场景，因此安静和明亮的外侧旋律声部是演奏者需要考虑到的。
并且乐曲中主旋律与和声需要由同一只手演奏的地方也随处可见，以第一小节为例，右手G音小指立起，手腕就要放松稍微向右侧倾，并利用瞬间的爆发力弹下，想象奏出穿透到钢琴底部的声音。
而训练小指的方法有：把1234指同时弹下保留住，然后小指单独做高抬指的弹奏方法来训练小指的机能。
右手则是稍稍向右侧倾，以保证手指能够顺直下键，避免倒塌，左手便向左侧倾，可双手同时做这项运动。
在第二声部级进下行的四音列要弹得很连贯，手腕放松用一个力量传递完成。
不过要注意的是左手主和弦上行走向过程中每一个音都很重要，故而在第二二拍子的D音上建立一个地基来连接两边的音。
而全曲中除高声部之外其实还有平行的二到三个声部在同时进行。
以第8—12小节为例旋律集中在右手的小指，对于外侧声部演奏者要采用最小的关节（一关节）与琴键几乎处于垂直状态，来找到清晰的外声部旋律线条。
这就要求一只手掌握两种完全不同的触键感觉。
而这样的处理则需要单拿出来反复练习，多去哼唱旋律，在耳朵中强化好旋律声部的概念。
不过要注意在处理不同声部的力度层次时，每个和弦都必须有一个主音，不然双手同时几个和弦音加和弦外音弹下就不能分清，会缺少声音的色彩性。
这也就意味着演奏者在处理这种多声部的音乐作品时，可以同时采取垂直触键和水平触键两种方法：垂直触键发力结实、直接、迅速；水平触键轻滑、柔美。
其中垂直触键要求力量侧倾于需要突出声音的手指，掌关节要有支撑点，并且声音也要集中，想象声音穿透钢琴底部；而水平触键发力点则以一关节为动作主体，前后做水平运动，使琴锤缓慢击弦，发出轻柔却仍具有凝聚的穿透力的柔美音色。
类似于“叉子”和“勺子”的关系，意思是外声部指尖最前端触键要饱满集中，而内声部则要平滑柔软稍靠后的触键方式。
在B段中采用的就是带有重音和跳音的舞蹈性节奏，其实阿尔贝尼兹经常采用民间音乐演奏的即兴发展手法，并在钢琴上再现出民间乐器，特别是吉他琴的表现特点和音响效果。
不过第54-64小节则是通过改变节奏重音的写作手法，表现了西班牙人民的热舞和狂欢，因此触键要迅速、直接，并奏出富有弹性的声音。
但第65小节的和弦则是以琶音形式奏出结合ff 的力度，来模仿吉他的扫弦技巧。
也就是说在演奏时，演奏者的指尖部位要用向里“勾”的抓键触键方式，同时运用全身的力量，做出大胆的、具有爆发力的触键方式，这才能演奏出吉他扫弦的气势。
而在第68-78小节，左手音乐家给出的术语是marcato ma non f，意思是着重清晰的但不是强的声音，这就要考虑到旋律的流动性，层次在右手之上，是突出旋律的意思。
在C 段的第88-98小节中，可以看出演奏者想象的是晶莹透明的声音，故而这里就要注意触键和音色的均匀性，不要被粗心大意的踏板所破坏（踏板具体使用见3.5踏板的运用）。
其中左手应尽量保持最连音，手腕放松，使平稳的触键方式贴键弹奏，不要让手指离开琴键，以获得缥缈、轻柔的音色效果。
而右手则要注意和声层，区别好高声部与其他两个声部力度及音色的处理，使外侧声部传的更远。
并摆好和弦把位，靠自然重量放下即可。
其力度在8小节sf之后要保持mp的力度，即弹下琴键的1/2或2/3的深度。
但在第99-100小节中的强和弦就要弹得深和沉稳，既是对上一段的收束，不过随后要做减弱处理，这样便可以很好的对下一段展开了期待，营造出空洞的意境。
据悉，D段与 D’段为第101-130小节和第210-245小节，充满了悠远、奇特的神秘色彩。
因此要想营造出在阿尔梅里亚海岸上，阳光与海面的映衬下，船只时隐时现的场景，演奏时就要求旋律线要具有歌唱的特质。
以第101-104小节为例，我们应该将需要明晰的声部控制在可以弹得深一些，把琴键弹到钢琴的底部，想象声音是可以穿透钢琴的。
而高抬指的慢速触键就是适合表现连绵、悠长、深沉、富有歌唱性的触键方式。
因此保持这种状态，直到需要不同表现力时才可切换。
由于其余三个声部即伴奏声部，就要考量好手指对pp力度的控制，不过这里所说的控制不要和“压力”、“紧张”混为一谈，只因放松的音乐表现状态才是此处应该有的表现。
在第121小节中需要果断直接的快速触键方式，并运用手腕的快速触键，以获得清脆明朗的精神气质，而同样的音型可做同样的处理。
众所周知，节奏是一部音乐作品的骨架，德国指挥家汉斯·冯·彪罗就曾说过：音乐家的“圣经”应从这个句子开始，“节奏是万物的初始”。
虽热在起初拿到一个音乐作品时，演奏者都应该严格的按照乐谱的时值节奏来练习，不过将所有的音乐要素及演奏技巧融会贯通之后，就应该考虑整体情感节奏的把控。
而节奏是西班牙音乐的灵魂，这也就意味着更要灵活处理在大乐句线条下的节奏问题。
其实作曲家的有些标记在今天的演奏中并是不完全适用的，众所周知，演奏者对某首乐曲正确速度的认识，可随着时间的推移而发生变化，这个过程甚至发生在短短的一天内。
而《伊比利亚》组曲的技术高超之处，就算是演奏者可以根据自身的实际情况选择合适的演奏速度。
其实通常情况下，若将“以匹四分音符为一拍”的律动转变成“以二分音符为一拍”，就会使音乐听起来更流畅。
但在《阿尔梅里亚》这首乐曲里，其基调确实以6/8拍为其律动，是一个具有民谣风格的舞曲律动。
因此在数拍子时请不要以3拍子的节奏来数，而是按照6/8拍的合拍律动来数，只因这样的组合不仅会带来叙述的连贯性。
还十分符合作曲家给出的四分附点音符为72的速度。
不过，关于乐曲中rubato弹性速度的问题，就是要拿捏好它的分寸，毕竟太过于自由会破坏掉大的框架，使整个线条散掉；但是严格的规范又会听起来太过刻板，因此浪漫主义晚期的作品是可以融入个人感情去演奏的。
这也就是说第 61小节处可根据舞曲节奏情绪的进行适当的紧缩节奏处理，直到67小节的G音上休息拉宽。
但第101小节-122小节里，在低声部素净、柔美的伴奏下，高声部则是奏出了充满印象派幻想情节的神秘主题，而演奏者也可自由发挥，使其表现出近现代音乐抽象思维的特征。
可见虽然作曲家标记了可以用弹性速度来演奏，但其实还是把弹性节奏的主权交给了演奏家，那么弹性速度下旋律的伸缩性，则是对重复出现的G和E适当的做出rubato的演奏处理，以此显示出了一种期待感。
不过，要注意的是只能在旋律声部做适当的rubato，切不可随意的将伴奏声部做弹性速度，反之会导致音乐进行的脉络散掉。
如在第235-246小节中，句子的第一个音可以略等一下，旋律也可以前松后紧，但填充声部要保持原速。
当然这几个乐句我们不能统一化处理，在正式演奏时还是会视情况而定。
虽然弹性速度对主旋律产生了主要影响，但伴奏需要保持原有速度。
当年莫扎特就在写给他父亲的一封信中说过：“（令这些人）无法准确拿捏的是在慢板中使用弹性速度，其实左手应该严格按照时值稳步前行。它们只要一出现，左手就要照着做。”
而在第212-227 小节中的处理原则同理。不过在第149-152小节的过度链接句中，拍子却不能因为渐慢的情感处理而松散，其中左手 6/8 拍律动要平静而稳定，右手则要根据和声的变化点出3/4拍的律动，使音乐进行更有律动感。
不过在第201小节，作曲家则给出了演奏指示a Tempo meno mosso（回原速，不那么快，稍慢）。
《阿尔梅里亚》是一首技术要求高，情感表达丰富的作品。
它展现了浪漫主义晚期音乐特征的同时，也体现了作曲家对音色、节奏和力度的细腻掌握。
故而对于演奏者来说，这首作品不仅是技术的挑战，更是情感表达的平台。
