我希望，当你下一次去美术馆时，它能使你的经历少一些害怕，多几分有趣。
——贡培兹
由英国泰特美术馆总监威尔·贡培兹（Will Gompertz）所著的《现代艺术150年》，便受到艺术爱好者们的关注和好评。它清晰而且轻松地讲述了从19世纪中期到至今的西方现代艺术史，简明通俗的语言让所有热爱艺术的人都能深刻的理解现代艺术之美。
就让草绳君带大家解读了这部跨越“150年”的艺术巨作《现代艺术150年》。
当今社会去美术馆看展的人越来越多，当我们走入美术馆，看到表现主义，抽象画，点线面构成画面时候，头上都是问号，甚至有种排斥的感觉。无聊的逛一圈儿就出来了。都不知道看了些什么。但是就是这些“看不懂”的艺术，已经渗透到我们的衣食住行里面，我们不经意买一件衣服，图案有可能是某个现代设计大师的杰作。现代艺术及其理念早已充斥着我们的生活。
但是虽然我们生活的方方面面都有现代艺术的影子，可是当我们站在一幅现代艺术的作品前，却无法理解它。甚至有抵触心理。心灵和身体在一条平行线上，永远不能相交。
对于这一现状威尔·贡培兹写的《现代艺术150年》，能让更多想要了解还不懂现代艺术的人理解现代艺术的精髓。
现代艺术起源可以追溯到古典主义后期，人们随着资产阶级革命开始，人们思想的解放，艺术家对枯燥的古典主义绘画感到厌倦，开始追求绘画的本质意义，注重画家自身的主观感受，反对古典主义酱油调，对色彩开始了革命性解放。《现代艺术150年》从浪漫主义开始到库尔贝的写实主义到印象派再到现代主义和后现代主义至今，囊括了广义上完整的现代艺术，而不是狭隘的现代艺术。在1972年的时候，实际上现代艺术已经走入终结，其实狭隘上的现代艺术只有从一战到二战期间短短的7、8年时间。，我们常说的当代艺术，其实就是现代艺术之后的艺术。我们如果不去了解，很难理解与现代艺术和后现代艺术的区别。我们也很难理解现代艺术怎么从枯燥的古典主义思维演变到现代艺术的。
现代艺术说白了其实就是法国表现主义为先驱，人们不管理解不理解法国表现主义画家，他们在艺术史上的地位是没有办法抹去的。那些现代艺术家们，如毕加索、杜尚、马蒂斯、蒙德里安等等，都已经成为了和达·芬奇、拉斐尔一样的伟大艺术家，在美术馆中接受人们的膜拜。
美是开放的不是禁锢的，枯燥乏味的艺术家画不出真正美的东西，用放松的笔法和自由的灵魂才能创作出真正美的作品。所谓真正美的作品是有故事性的，在刻画什么 样的人物性格，表达什么样的情感等等。随着个人体会的加深，对实物的美感也为加深。这就是所谓的“美学功底”。
现代艺术就是这样，当我们对现代艺术专业知识和的创作背景一无所知时，就会产生各种“不理解”。毕竟，现代艺术注重主观感受的表达，甚至描绘内心世界，排斥古典主义对具象实物的描绘，所以现代艺术更加纯粹，更加难以理解。
色彩的革命是反对古典酱油调的开始，日出印象为导火索到野兽派为止。在19世纪中后期，印象主义色彩革命波及整个欧洲地区，他们支持浪漫主义绘画和库尔贝的写实主义绘画，以及马奈等前辈，并且对色彩进行了彻底的解放。
1826年，达盖尔、尼埃普斯发明了摄影技术，对肖像画家造成很大的影响。艺术家们开始重新思考绘画的意义，浪漫主义保留古典绘画故事性的同时，赋予画面浪漫色彩，夸张表现美好的一面。库尔贝则描绘底层劳动者，不无尖刻嘲讽之意地称古典主义为“装腔作势”，称浪漫主义为“无病*”，倒也恰到好处。法国评论家认为：“没有库尔贝，就没有马奈；没有马奈，便没有印象主义。”库尔贝在发现生活中平凡的美和朴实的外光技巧方面给予以后的青年画家们的重要影响，证明这一论断是确凿无疑的。
最终作为印象派先驱的马奈，他在一系列的绘画中消减掉了以往绘画中的空间、人物身份、构图安排、色彩习惯。他用粗犷的笔触直接画在画布上，有别于以往画家的精心建构。这种“直接画法”直接导致了印象派的产生。
印象派主要贡献就是对色彩的研究，不再像古典主义画家那样“用色彩画素描”，色彩为造型服务。
古典主义画家没有光学的理论基础，他们认为物体暗部是不断加深的，比如绿色物体的暗部还是绿色只不过加深了。
但是印象派时期欧洲物理学的进步，了解到了色彩暗部亮部的对比关系。这样，他们开始用小笔找到暗部颜色的不同点到画布上，使色彩更加纯粹。这就是点彩的由来。利用这种方法印象派画家们不拘于室内，他们走出画室用快速的笔法记录每个时间段的色彩冷暖的变化。
印象派对现代艺术影响颇深，150年的现代艺术史首先必须从印象派开始讲
“色彩的革命”到野兽派时期，产生了最终的解放。野兽派的画家如马蒂斯、弗拉芒克、鲁奥等走向了完全的主观化。在画面中大量运用色彩对比。反对古典主义对客观事物的描绘。
弗拉芒克笔下的风景，能够看出他在用颜色表达自己的感受
3：艺术家不满足色彩的变革色彩变革之后艺术家不满足于现状又一次进行了“造型革命”。塞尚的结构主义成为造型变革的新趋。
这位被大卫·霍克尼称作“第一位使用双眼作画”的伟大画家，真正开始使用双眼去反对以往画家的单点透视（焦点透视）。所谓焦点透视，就是在一个空间感里头，人物之间的造型场景安排都必须是真实空间的还原
而在塞尚的绘画中，有的地方呈现出俯视，而有的地方则呈现出平视甚至仰视，画面中的空间被扭曲了。物体像是被做了几何分析一样呈现出来，而不是像摄像机照出来的那样。
塞尚对空间的分析和实践最终影响了西班牙大师毕加索。在毕加索的画中，空间被进一步完全打乱了，他通过将三维空间中的物体不断压缩和重置，最终变为了二维的构成，“造型的革命”得以完成。
毕加索的《哭泣的女人》，线条、颜色和空间都服从他的主观感受，而不是制约他。
大约同期，俄国画家康定斯基开始创立抽象主义绘画的理论。他将绘画中的重要元素提炼出来，变成简单的点、线、面的组合，重新抽象和构成为绘画。在他看来，绘画无非是这几个元素与颜色、构图的互相搭配而已。至此，古典绘画中奉为金科玉律的一切教条都被现代主义解放了，现代绘画可以不再用绘画讲故事（如印象派），不再再现人或事物（如抽象派），甚至前所未有地不再摹仿和忠实于人眼对外部世界的印象与观察。
于是，在一战前后，无数派别诞生出来。超现实主义、立体主义、表现主义、野兽派、达达主义、至上主义，无数想法被艺术家们饱含热情地付诸实践，绘画终于找到了其他艺术所无法替代的，属于自己的崭新天地。
当蒙德里安将绘画归结为简单的几个直线，当罗斯科用几个色块即能完成一幅作品的时候，现代主义终于走向了其逻辑的终局。荣老师引用丹托的观点说，现代主义最终终结于抽象表现主义和极简主义那里。
蒙德里安的典型作品之一，他被称为“冷抽象”，同时也是“荷兰风格派”的成员，他在自己身上完成了写实到极
这是因为，现代主义已经将对古典的反叛走到了极致，绘画最后甚至简化成了一张白纸，无法再进行消减了。
因此艺术家不玩了，没什么可玩了。
这时，我们可以回到《现代艺术150年》的第一章，回到马塞尔·杜尚那里去。这位法国艺术家，可以说是后现代艺术的鼻祖型人物。就是他，在1917年将小便器送进了美术馆。杜尚在现代主义还轰轰烈烈地进行之时，就已经开始思考更进一步的解放，即对整个现代主义艺术的反叛。
正像音乐家约翰·凯奇用无声颠覆了全部的音乐，杜尚也用一个最普通的现成品——小便器，颠覆了整个美术史。杜尚认为，艺术家“应该决定什么是艺术，什么不是”，“如果一名艺术家说某件东西是艺术品，且对它的背景和含义施加了影响，那么它就是一件艺术品”。
杜尚自己又说“我的呼吸就是艺术”，意思是艺术即是艺术家的行为，艺术是一种状态，一个视角，某个理念，这在杜尚看来才是艺术的本质。
这其实是对艺术的一种解构性思考，艺术从此走下了画布走出了工作室，进入到了更广阔的创作空间之中。杜尚成为了又一个划时代的人物，
它不仅是标志的现代艺术的一个深化，最重要的是，它实际上是后现代艺术的一个起源。
与杜尚类似，博伊斯声称的“人人都是艺术家”也基于此，对绘画技法的掌握不再是普通人和艺术家之间最大的区别。任何事物都可以是艺术品，包括现成品，而任何空间都可以变成美术馆，去展示艺术。由此，艺术走向了反艺术。
不过，这种德里达式的解构，并不是完全离开了现代主义艺术，而更像是对现代主义的一种总结和延伸，它依然是沿着寻找艺术本质、解放艺术空间这一基本的逻辑向前发展——这也是贡培兹在《现代艺术150年》中想要告诉读者的。
现代主义就在每个人的身边，它应当使艺术与大众的距离更近，而不是造成鸿沟，这也正是本书的意义所在。
对于艺术的这个未来，在《现代艺术150年》的最后，贡培兹回到了对杜尚、毕加索这些艺术家个体的讨论上。在他看来，这些艺术家的个人风格给时代加上了独特的光芒，超越了他们的流派，也许这些才能指引未来的艺术家去开拓新的艺术，指引艺术的观者们去发现新的艺术。
在回溯了有关现代艺术的150年历史后，贡培兹这样结束了本书：
看起来，一个具有一定精神高度的人物——如塞尚、波洛克或沃霍尔，在本世纪尚未出现。但是，这样的人迟早会有的。或者，已经出现了......
