澎湃新闻记者 廖阳
四海为家，四处跳舞，家的概念对于舞者来说似乎特别渺茫。
黎星算过，最夸张的2015年，他只在北京呆了23天。说走就走，一觉醒来，他常常不知身在何处，面对行李箱也总是崩溃，因为根本不知从何下手，甚至一次要带好几季的衣服。
“你突然发现，你在酒店比在家里还多，酒店特别像一个移动的家。”
《大饭店》剧照
舞蹈剧场《大饭店》的灵感来源于黎星常年在外演出居住的大饭店，和大饭店里来来往往的旅客们。他将这些掰开了、揉碎了，再重新组合，得到了舞台上的七位人物。
入住大饭店的七名房客，是七块碎片，但却拼出了一个完整的小世界。他们身上的故事，每一天都发生在我们身边，观众看着舞台上的爱恨情仇时，其实也是在看自己。
9月19日-20日，《大饭店》将在上海大剧院起舞，黎星特意将第50场演出这个重要节点，安排在了最重要的一座剧场。
黎星
这也是2018年首演以来，《大饭店》第四次到访上海，而最近三次都发生在近一年。如此高频率的来访，让黎星很喜欢上海，也很羡慕上海的艺术家们，因为真有那么多观众愿意走进剧场，同时和艺术家们保持着良性的互动和沟通。
“上海很开放、很包容，观众不会带着审视的态度来看戏，这对创作者来说是积极的反馈和鼓励。所以我们的作品到上海，我经常说可以多演几场，没事，上海观众能接住。”
这一趟来上海，也赶上了黎星演出密度最大的一次，10天时间，他要横跨5个城市，担纲主演8场演出。
前两天，他刚在上海国际舞蹈中心主演舞剧《沙湾往事》；这两天，他要将战场转到上海大剧院的《大饭店》；再过两天，他还要赶去江苏大剧院首演他导演兼主演的舞剧《红楼梦》……
这也代表了黎星身上两种角色的交织：一方面，他是《沙湾往事》《天路》等传统舞剧的男主角，是编导最喜欢起用的男舞者；另一方面，他又在《大饭店》《红楼梦》等作品里以导演的身份活跃，将他对舞台的种种追求，将脑海里天马行空的想象灌到舞台上。
这种状态已经持续了好几年。
从解放军艺术学院毕业后，黎星进入北京战友文工团，待了三四年又脱下军装，以独立舞者的身份探寻跨界合作的可能——从最传统的舞剧到最自由的现代舞，都不拘泥，都有涉猎。前不久，他一脚踏入《舞蹈风暴》第二季，最终以四强的身份，走进更多人的视野 。
不管身份是舞者还是导演，黎星都希望倾尽能量，做到最好，“做每一部戏，我都希望它掷地有声。”
【对话】
记者：《沙湾往事》上海首演时，好像看到你的木屐掉了，这种小状况没有对你造成太大影响？
黎星：相对成熟的演员，舞台上无论发生什么，都不会产生太大影响，即便真出现失误，也不要过于担心。因为真正演好一个戏，更重要的是整体，如果局限到一个腿控得够不够高，或者一个动作有没有失误，关注的点就小了。还是要看一场戏下来，能不能把这个人物构建得完整。
记者：你这两天戏的密度特别高，不停在切换角色，如何做好自我调整？
黎星：首先从最实际来讲，我必须要睡觉，睡不着也要逼着自己躺在床上，体力不够，什么都扯淡。所以我逼着自己睡，有时候跳完舞很难入睡，因为大脑皮层在一个很兴奋的状态，需要用一两个小时让自己进入安静的状态。
记者：今年30岁了，有没有什么概念？
黎星：其实我一直把自己当成学生，见到所有人都习惯叫老师，即便跳了很多作品。《舞蹈风暴》最后一期决赛是1月9日，我生日是1月14日，前后那几天频繁被提起。节目里，除了我、谢欣、李艳超，所有人都比我们小，都叫我们老师，突然对年龄有概念了。
作为演员，我常年还在演出，对身体的管理是科学的。但也觉得到了时候，是不是可以再做一点什么事情，对于舞台的理解能不能出新，能不能拿出一些不同的态度？舞蹈剧场《大饭店》是一种态度，《红楼梦》有别于传统舞剧的叙事逻辑，又是一种态度，你一定要去做，才会让观众不断在剧场看见新东西，看见舞蹈的可能性，然后愿意不停地走进来。
《沙湾往事》9月17日上海首演完，唐诗逸给我发信息，她也在上海演《昭君出塞》。上海这么多剧场，一晚上都在演舞蹈，我们这一波舞者还在舞台上坚持，我觉得很幸福。我们处在一个非常好的时代，一定要继续跳，同时也要管理好自己，让自己不受伤。
记者：舞蹈演员有“黄金年龄”这一说，黄金阶段是不是比以前延长了很多？
黎星：因为现在训练也科学了，导演也更知道如何去平衡创作和演员的身体，不会死磕。
其实毕了业就是黄金期，只是每个阶段不一样。25岁前是演员身体的黄金期，像《永不消逝的电波》里的小裁缝何俊波，身体技能太好了，可以“上天入地”，正是当打之年。25岁以后，是演员塑造和丰富舞台角色的成熟期。
真的到了这个年龄，你才知道什么叫做稳，你站在那里，可以气定神闲慢慢把头抬起来。那个稳，不光是人生经历的积累，还有上百场舞台演出的磨练。我28岁以后开始有那种状态了，这时候我要思考如何恢复到25岁的身体，以及每次上台的那种兴奋感。
记者：《大饭店》里的这一批舞者身上有没有什么共同的特质？
黎星：我们比较能吃苦。我们刚开始跳舞剧大约在2012年，舞蹈市场没那么好，观众素质也没那么高，怀着敬畏心坚持了下来。那时候出去演出，卡车路过，酒店会晃，排练从早到晚，有时候一天要换五六件衣服。
《大饭店》里夫人的扮演者李倩，生完宝宝四年没跳舞，今年38岁。巡演到昆明，天气潮湿，食物是酸辣口，可能对她的胃刺激太大，演了一半，她下台直接吐了，根本支撑不住。两分钟后就要上台，她擦一擦嘴说不好意思，转身就上去了。
上半场最后一段叫“快乐星期天”，剧中最欢乐、最high的一段，放眼过去，一帮“奔四”的演员，我有点哭笑不得。为什么愿意坚持？舞台给了我们很多美好，如果不说年龄，你不会在表演过程中感受到。
下半场一开场，是李倩的独舞。一个大追光像月光洒进来，她就像一幅画，手慢慢从胸口拂过去，再伸长，多简单一个动作，但气质和情绪全出来了，岁月的那份孤寂感。不需要再编动作了，只有她才能给予这个年龄经历过的一切，同时又具备这样的肢体的能力。
记者：你如今是独立舞者，但非常受欢迎，很多传统的、主旋律的舞剧喜欢请你主演，《沙湾往事》和《天路》更是连续两届获得文华大奖，这是为什么？
黎星：《沙湾往事》和《天路》在创作时也没有说奔着拿奖去。找到我时，导演和创作班底是我非常喜欢的，我愿意投入几个月时间，跟着他们打磨出一个好东西来。
找我一方面可能我时间比较富裕，另一方面可能我经验比较丰富。我从来不是一个等着编导“给”的演员，我会和编导一起讨论，或者他有要求的时候，我会尽量多做一点、多回馈一点，让他看到更多可能性。
做每一部戏，我都希望它掷地有声。无论我是导演还是演员，我都希望倾尽我的能量，让这个戏更好。
主旋律的舞剧说到底是把人说好，而不是歌功颂德。就像《天路》，我演的角色叫卢天，翻过来就是天路的意思，他代表的是那一群铁路工人，也就20来岁。我去考察他们的资料，那个地方只有星星、草原，还能听到狼叫，没有业余生活，在那个地方待4年真是不容易。对他们设身处地，突然你就有情感了，真的愿意去体会、去相信。所以还是从理解人性的角度去创作。
记者：做导演和做舞者，你觉得最大的区别是什么？
黎星：我从来没想过要转型导演，我的初衷就一点，我有太多想表达的东西了，可能和现在所有导演让我完成的内容不一样。
我也不知道是不是30岁的原因，太累了，你要花费多一倍的精力，因为你跳角色和你看全剧，是两个思维。看全剧时，你不能带着你跳的某一个角色去看，比如贾宝玉，你必须站在观众和导演的角度去看。当你进入贾宝玉的视角，你得进到内部去，要换一种思维。
《红楼梦》我本来是不跳的。第一，江苏大剧院说你为什么不跳？你得跳，剧场有它的需求。其次，作为演员，碰到贾宝玉这样一个角色，如果具备那种敏锐度，你不会想放过，很难say no。
往后，我可能会把两个角色（舞者、导演）分得更清楚，把自己抽离出来，全心全意，也是为了更好地完成工作。
记者：到现在为止，黎星工作室的作品，包括你个人有没有形成一种风格，或者你还在摸索、还在尝试？
黎星：这是我做《红楼梦》在思考的问题，我一直在想要不要去做风格，后来我有点不想，《大饭店》《红楼梦》完全是两个风格，我觉得更有意思的是“新”够不够？
剧场玩起来就是一个空间。《大饭店》就是我对空间的一次利用，我最满意的一点是，我找到舞台空间的表述方式。《大饭店》里有两堵墙，可以是大堂，也可以是房间，它可以传达夫人的内心，又可以变成女佣的内心，墙里面只要有表演，这个空间就活了……
空间感是我当下最感兴趣的地方，因为空间本身有戏剧传达的能力，身体是一种素材，舞美也是一种素材，我们要不停地用素材去搭建空间里的戏剧语言。如果5年、10年以后还没有风格，对我来说不是一件坏事，可能我没想那么快确立风格。
记者：你想把舞蹈剧场的概念慢慢打开，《大饭店》里有几位舞者都参加过《舞蹈风暴》，很多观众因为节目认识了你们，进而关注到舞蹈剧场，这也算是一种比较特殊的舞蹈推广方式？
黎星：《舞蹈风暴》是我第一次走到剧场圈以外的地方。之前我一直说，我不参加任何综艺，不要拍戏，我就好好跳舞，在剧场待着。第二季找到我时，我也是拒绝的，我已经拒绝两次了。
我清楚记得，那天我来上海参加谢欣《九重奏》的首演，完了在舞蹈中心旁边的咖啡厅坐着聊，谢欣说也找她了，正在考虑。然后话题就变了，我们开始讨论剧场的环境，面临着什么，聊到我们的好朋友胡沈员，参加完第一季，他的《流浪》巡演一下子可以排很多场。
我们当然是羡慕的，突然发现不要用那么狭隘的眼光去看待这件事情。然后李艳超的电话打过来了，她想试试，觉得对演员是一个好平台。后来总导演来北京，希望再见一次，两位朋友说，聊完你决定就好了。我就跟他们提了，不要让我们几个好朋友恶意PK，不签任何合同，不要保谁拿奖，不要干预创作，就一起来好好玩这场游戏，什么时候淘汰我们都能接受，我们对自己的实力有认知。他们欣然接受。
后来听说元元姐（谭元元）也要去，我觉得不可思议。那么多好朋友都去了，我相信这群人还是能够把控住自己的，那就去！我们在节目里的创作一定是能够代表自己的，有一些设计可能是为了让观众更懂，但我们没有去取悦任何人。有一次我们输得很惨，但就是我想做的，现在我依旧喜欢。
通过《舞蹈风暴》，大家走进剧场，喜欢上舞蹈，能多卖几张票，我觉得就够了。你们买的每张票，就是我们下部戏创作的来源，很实际，但就是这样子。
责任编辑：张喆
校对：刘威
